L’Eclissi dell’Uomo Comune: La Dialettica della Carne in A History of Violence
Esiste un momento preciso, nel cinema di David Cronenberg, in cui la realtà smette di essere un tessuto solido per farsi membrana. In A History of Violence (2005), questa lacerazione non avviene attraverso la mutazione biotecnologica di Existenz o le ferite erotiche di Crash, ma tramite l’atto più antico e banale dell’umanità: la violenza brutale. Il regista canadese abbandona i laboratori e le metropoli asettiche per rifugiarsi nel cuore pulsante e ipocrita dell’America rurale, confezionando quello che è, a tutti gli effetti, un saggio filosofico travestito da noir.
Il Simulacro del Sogno Americano
La pellicola si apre su Millbrook, Indiana, un non-luogo che sembra scaturito da una tela di Norman Rockwell rivisitata da Edward Hopper. Tom Stall (Viggo Mortensen) è il perno di questo idillio: un uomo mite, un marito esemplare, il proprietario di una tavola calda dove il tempo pare essersi fermato. Cronenberg filma questa normalità con una pulizia formale quasi sospetta, una staticità che suggerisce non pace, ma stasi.
Tuttavia, l’idillio è un simulacro. Quando due assassini irrompono nel locale di Tom, la risposta di quest’ultimo non è il panico del cittadino, ma l’efficienza della macchina. In pochi secondi, Tom uccide. Ed è qui che Cronenberg opera il suo primo, magistrale ribaltamento: la violenza non è catartica. Non c’è gloria nel sangue che imbratta il bancone; c’è solo una precisione chirurgica che puzza di passato.
Mortensen e l’Ontologia del Killer
La grandezza del film poggia interamente sulle spalle di Viggo Mortensen. La sua interpretazione è un capolavoro di stratificazione. Come Tom Stall, egli abita una maschera fatta di gentilezza e sguardi bassi; ma quando il passato bussa alla porta sotto le spoglie di Carl Fogarty (Ed Harris), la maschera inizia a creparsi.
La trasformazione di Tom in Joey Cusack non è un “ritorno all’eroismo”, come vorrebbe il canone hollywoodiano, ma una regressione atavica. Cronenberg ci sfida a guardare oltre la superficie: Tom Stall è un uomo buono che ha sepolto un mostro, o è il mostro la sua forma definitiva, e la vita in Indiana solo una sofisticata tecnica di mimetismo biologico?
L’Estetica Anti-Hollywoodiana
È qui che il film si distacca violentemente dai canoni del genere. Se Hollywood celebra il “vigilante” come colui che ristabilisce l’ordine, Cronenberg ci mostra che la violenza, una volta liberata, è un virus che infetta l’intero ecosistema familiare.
- La De-spettacolarizzazione: Non ci sono coreografie. Il sangue è “sporco”, le ossa si spezzano con un rumore sgradevole, e le conseguenze fisiche rimangono sullo schermo. La violenza non risolve i problemi; li rende permanenti.
- La Sessualità come Campo di Battaglia: La sequenza del rapporto sessuale sulle scale tra Tom e sua moglie Edie (Maria Bello) è cruciale. Non è erotismo cinematografico; è uno scontro di potere, un atto di possesso e repulsione in cui Edie riconosce e, con orrore, accetta la natura predatrice del marito. Il desiderio nasce dalla distruzione della fiducia.
Il Barocco del Male: Il Finale a Philadelphia
Il terzo atto sposta l’azione nel castello decadente di Richie Cusack, interpretato da un William Hurt istrionico e deliziosamente grottesco. Se la prima parte del film è minimalista, il finale vira verso una tragedia shakespeariana. Richie è lo specchio di ciò che Tom ha cercato di fuggire: una violenza che è diventata aristocratica, barocca e fine a se stessa. L’eliminazione del passato, però, non porta alla redenzione.
Il Silenzio della Cena: Un Verdetto Senza Appello
Il film si chiude con un ritorno a casa che è tra i più agghiaccianti della storia del cinema. Non ci sono spiegazioni, non ci sono lacrime di riconciliazione. C’è solo un posto a tavola aggiunto in silenzio. Cronenberg ci lascia con un interrogativo devastante sulla natura dell’identità: siamo ciò che abbiamo scelto di essere o siamo condannati dalla nostra storia?
A History of Violence non è solo un film sulla malavita. È un’autopsia del mito americano, un’opera gelida e perfetta che dimostra come David Cronenberg sia l’unico regista capace di filmare l’anima umana come se fosse un organo interno, esposto, sanguinante e terribilmente fragile
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